David Bailey 曾将时尚摄影描述为“穿着裙子的人的肖像”，将其根源追溯到维多利亚时代的肖像画。早在 19 世纪 40 年代，社会名流就穿着最精致的服装为摄影师摆姿势，这与肖像画的传统相呼应。然而，时尚摄影超越了单纯的服装记录。传奇的 Vogue 摄影师 Irving Penn 认为他的角色是“出售梦想，而不是衣服”。最具影响力的图像与观众的愿望和渴望产生共鸣，超越表面细节，唤起情感并讲述故事。
时尚摄影 thrives on pushing boundaries. 艺术视野与商业需求之间的相互作用推动了创造力和技术创新。无论是编辑拍摄还是广告，这些图像都反映了当代文化、全球事件以及 20 世纪女性角色的演变。
1911 年，在欧洲的黄金时代，Edward Steichen 为《艺术与装饰》杂志拍摄了穿着 Paul Poiret 设计的模特。这些柔焦图像被 Steichen 宣称为“有史以来第一批严肃的时尚照片”，标志着该领域的一个关键时刻。在摄影出现之前，像《法国服装》和《女士与时尚杂志》这样的时尚杂志依靠雕刻，受众有限。19 世纪 90 年代印刷技术的进步使照片能够与文字结合，扩大了时尚杂志的影响范围，并改变了该行业。
康泰纳仕 1909 年收购 Vogue 标志着另一个转折点。他将其转变为享有盛誉的国际时尚出版物。Vogue 与重新推出的 Harper’s Bazaar 旨在通过开创性的时尚摄影和越来越多的魅力模特来捕捉纽约、伦敦和巴黎的时尚精髓。
超现实主义深刻地影响了 20 世纪 20 年代和 30 年代的时尚杂志。萨尔瓦多·达利和乔治·德·基里科的绘画与曼·雷的前卫时尚摄影一起出现在 Vogue 中。一些摄影师接受了超现实主义原则，试图通过创新技术和意想不到的并置来可视化无意识的思想，挑战传统的现实概念。
乔治·霍宁根-休恩男爵，作为法国 Vogue 和后来的 Harper’s Bazaar 的首席摄影师，以其对光影和古典形式的绘画式处理方式塑造了一代人。他的得意门生霍斯特·P·霍斯特创作了类似的创新图像，融合了超现实主义和古典主题。然而，Vogue 编辑 Edna Woolman Chase 优先考虑展示服装，她曾说过一句名言：“专注于展示服装……如果艺术做不到这一点，那就让艺术见鬼去吧。”
二战后，人们对魅力和女性气质的重新渴望在 1947 年克里斯汀·迪奥的“新风貌”中得到了体现。莉莲·巴斯曼优雅而性感的时尚摄影补充了这些新风格，优先考虑情绪而不是对服装的详细描述，这让 Harper’s Bazaar 编辑卡梅尔·斯诺大为恼火。以其充满活力的柯达彩色胶片图像而闻名的欧文·布卢门菲尔德也突破了实验性时尚摄影的界限。
20 世纪 50 年代迎来了时尚摄影的蓬勃发展时期，摄影师们 embraced a spontaneous, photojournalistic style. 模特在城市街道上被捕捉，用城市景观取代了工作室背景。理查德·阿维顿 1957 年拍摄的模特穿着卡丹外套的标志性照片，名为“向 Munkácsi 致敬”，体现了这种转变。户外时尚摄影的先驱马丁·芒卡西曾建议：“永远不要摆姿势你的拍摄对象。让他们自然地四处走动。”
20 世纪 60 年代见证了女权运动的兴起以及向年轻、解放的时尚的转变。大卫·贝利的纪实风格将让·史瑞普顿和崔姬等青少年模特变成了国际明星。从 1966 年起，大胆的图案和颜色占据主导地位，佩内洛普·特里体现了嬉皮士的美学。
在 20 世纪 70 年代，时尚摄影探索了女性气质、性、宗教和暴力的主题。赫尔穆特·牛顿在迷人的环境中捕捉自信的女性，而盖·伯丁和吉安·保罗·巴比耶里则创作了 provocative images that emphasized the character of the woman. 黑人和中性模特获得了突出地位，黛博拉·特贝维尔和莎拉·穆恩等摄影师则对美丽和物化提出了独特的女性视角。
20 世纪 80 年代出现了挑战主流杂志精致美学的时尚出版物。史蒂夫·约翰逊在 i-D 杂志上拍摄的朋克和新浪潮青年的全身肖像捕捉到了原始而真实的街头风格。这种自然主义的方法一直延续到 20 世纪 90 年代，科琳·戴、大卫·西姆斯和克雷格·麦克迪恩等摄影师歌颂了真实人物的个性和独特之美。
如今，时尚摄影的特点是精心制作的幻想和电影制作。迈尔斯·奥尔德里奇将他的创作过程描述为“从现实生活中提取一些东西，并以电影的方式对其进行重建”。蒂姆·沃克受到塞西尔·比顿和童话故事的启发，创作出异想天开且华丽的图像。虽然女性时尚历来占据主导地位，但男性时尚摄影正日益受到重视，反映出更广泛的风格和代表性。
