David Bailey describió la fotografía de moda como «un retrato de alguien con un vestido», rastreando sus raíces hasta el retrato victoriano. Ya en la década de 1840, figuras de la sociedad posaban para fotógrafos con sus mejores galas, reflejando la tradición de los retratos pintados. Sin embargo, la fotografía de moda trasciende la mera documentación de la ropa. Irving Penn, un legendario fotógrafo de Vogue, creía que su papel era «vender sueños, no ropa». Las imágenes más impactantes resuenan con las aspiraciones y deseos del espectador, yendo más allá de los detalles superficiales para evocar emociones y contar historias.
La fotografía de moda prospera al superar los límites. La interacción entre la visión artística y las demandas comerciales ha impulsado la creatividad y la innovación técnica. Ya sea en forma de sesiones editoriales o anuncios, estas imágenes reflejan la cultura contemporánea, los eventos globales y la evolución de los roles de las mujeres a lo largo del siglo XX.
En 1911, en medio de la edad de oro de Europa, Edward Steichen fotografió modelos con diseños de Paul Poiret para la revista Art et Décoration. Estas imágenes de enfoque suave fueron declaradas por Steichen como «las primeras fotografías de moda serias jamás realizadas», marcando un momento crucial en el campo. Antes de la fotografía, las revistas de moda como Le Costume Français y Journal des Dames et des Modes dependían de grabados, llegando a un público limitado. Los avances en la impresión en la década de 1890 permitieron que las fotografías se integraran con el texto, expandiendo el alcance de las revistas de moda y transformando la industria.
La adquisición de Vogue por parte de Condé Nast en 1909 marcó otro punto de inflexión. La transformó en una prestigiosa publicación internacional de moda. Vogue, junto con la relanzada Harper’s Bazaar, buscaba capturar la esencia del estilo en Nueva York, Londres y París a través de la innovadora fotografía de moda y una creciente lista de modelos glamurosas.
El surrealismo influyó profundamente en las revistas de moda en las décadas de 1920 y 1930. Pinturas de Salvador Dalí y Giorgio de Chirico aparecieron en Vogue junto con la fotografía de moda vanguardista de Man Ray. Algunos fotógrafos adoptaron los principios surrealistas, buscando visualizar la mente inconsciente a través de técnicas innovadoras y yuxtaposiciones inesperadas, desafiando las nociones convencionales de la realidad.
Baron George Hoyningen-Huene, como fotógrafo jefe de Vogue Francia y más tarde de Harper’s Bazaar, moldeó una generación con su enfoque pictórico de la luz, la sombra y las formas clásicas. Su protegido, Horst P. Horst, creó imágenes igualmente ingeniosas, mezclando motivos surrealistas y clásicos. Sin embargo, la editora de Vogue, Edna Woolman Chase, priorizó mostrar las prendas, afirmando: «Concéntrense completamente en mostrar el vestido… si eso no se puede hacer con arte, entonces que se condene el arte».
Después de la Segunda Guerra Mundial, un renovado deseo de glamour y feminidad se expresó en el New Look de Christian Dior en 1947. La fotografía de moda elegantemente sensual de Lillian Bassman complementó estos nuevos estilos, priorizando el estado de ánimo sobre la descripción detallada de la ropa, para disgusto de la editora de Harper’s Bazaar, Carmel Snow. Erwin Blumenfeld, conocido por sus vibrantes imágenes en Kodachrome, también amplió los límites de la fotografía de moda experimental.
La década de 1950 marcó el comienzo de una era dinámica para la fotografía de moda, con fotógrafos que adoptaron un estilo espontáneo y fotoperiodístico. Las modelos fueron capturadas en las calles de la ciudad, reemplazando los fondos de estudio con paisajes urbanos. La icónica fotografía de Richard Avedon de 1957 de una modelo con un abrigo de Cardin, titulada «En homenaje a Munkácsi», ejemplificó este cambio. Martin Munkácsi, un pionero de la fotografía de moda al aire libre, había aconsejado: «Nunca poses a tus sujetos. Deja que se muevan con naturalidad».
La década de 1960 fue testigo del auge del movimiento feminista y un cambio hacia una moda juvenil y liberada. El estilo documental de David Bailey transformó a modelos adolescentes como Jean Shrimpton y Twiggy en estrellas internacionales. A partir de 1966, los patrones y colores atrevidos dominaron, con Penelope Tree encarnando la estética hippie.
En la década de 1970, la fotografía de moda exploró temas de feminidad, sexualidad, religión y violencia. Helmut Newton capturó mujeres seguras de sí mismas en entornos glamorosos, mientras que Guy Bourdin y Gian Paolo Barbieri crearon imágenes provocativas que enfatizaban el carácter de la mujer. Las modelos negras y andróginas ganaron protagonismo, y fotógrafas como Deborah Turbeville y Sarah Moon ofrecieron distintas perspectivas femeninas sobre la belleza y la objetivación.
La década de 1980 vio la aparición de publicaciones de estilo que desafiaron la estética pulida de las revistas convencionales. Los retratos de cuerpo entero de Steve Johnson de punks y jóvenes de la Nueva Ola en la revista i-D capturaron un estilo callejero crudo y auténtico. Este enfoque naturalista continuó en la década de 1990 con fotógrafos como Corinne Day, David Sims y Craig McDean, quienes celebraron la individualidad y la belleza única de la gente real.
Hoy en día, la fotografía de moda se caracteriza por elaboradas fantasías y producciones cinematográficas. Miles Aldridge describe su proceso como «tomar algo de la vida real y reconstruirlo de una manera cinematográfica». Tim Walker, inspirado por Cecil Beaton y los cuentos de hadas, crea imágenes caprichosas y opulentas. Si bien la moda femenina ha dominado históricamente, la fotografía de moda masculina está ganando protagonismo, reflejando un espectro más amplio de estilo y representación.
