David Bailey описва модната фотография като „портрет на някого, облечен в рокля“, проследявайки корените й до викторианските портрети. Още през 1840-те години, представители на висшето общество позират за фотографи в най-хубавите си дрехи, отразявайки традицията на рисуваните портрети. Модната фотография обаче надхвърля простото документиране на облеклото. Irving Penn, легендарен фотограф на Vogue, вярва, че ролята му е „да продава мечти, а не дрехи“. Най-въздействащите изображения резонират с желанията и стремежите на зрителите, надхвърляйки повърхностните детайли, за да предизвикат емоции и да разкажат истории.
Модната фотография процъфтява, като разширява границите. Взаимодействието между артистичната визия и търговските изисквания е подхранвало креативността и техническите иновации. Независимо дали под формата на редакционни снимки или реклами, тези изображения отразяват съвременната култура, глобалните събития и променящите се роли на жените през 20-ти век.
През 1911 г., по време на златния век на Европа, Edward Steichen фотографира модели в дизайни на Paul Poiret за списание Art et Décoration. Тези изображения с мек фокус са обявени от Steichen за „първите сериозни модни фотографии, правени някога“, отбелязвайки ключов момент в областта. Преди фотографията, модни списания като Le Costume Français и Journal des Dames et des Modes разчитат на гравюри, достигайки до ограничена аудитория. Напредъкът в печата през 1890-те години позволява фотографиите да бъдат интегрирани с текст, разширявайки обхвата на модните списания и трансформирайки индустрията.
Придобиването на Vogue от Condé Nast през 1909 г. бележи друг повратен момент. Той го трансформира в престижно международно модно издание. Vogue, заедно с рестартирания Harper’s Bazaar, се стремят да уловят същността на стила в Ню Йорк, Лондон и Париж чрез новаторска модна фотография и нарастващ списък от бляскави модели.
Сюрреализмът оказва дълбоко влияние върху модните списания през 20-те и 30-те години. Картини на Salvador Dalí и Giorgio de Chirico се появяват във Vogue заедно с авангардна модна фотография от Man Ray. Някои фотографи възприемат сюрреалистичните принципи, стремейки се да визуализират несъзнаваното чрез иновативни техники и неочаквани съпоставки, оспорвайки конвенционалните представи за реалност.
Baron George Hoyningen-Huene, като главен фотограф на френския Vogue и по-късно Harper’s Bazaar, оформя поколение със своя живописен подход към светлината, сянката и класическите форми. Неговият протеже, Horst P. Horst, създава подобно изобретателни изображения, съчетавайки сюрреалистични и класически мотиви. Редакторът на Vogue Edna Woolman Chase обаче дава приоритет на показването на дрехите, заявявайки: „Концентрирайте се изцяло върху показването на роклята… ако това не може да се направи с изкуство, тогава по дяволите изкуството.“
След Втората световна война, обновеното желание за блясък и женственост намира израз в New Look на Christian Dior през 1947 г. Елегантно чувствената модна фотография на Lillian Bassman допълва тези нови стилове, като дава приоритет на настроението пред детайлното изобразяване на облеклото, за голямо разочарование на редактора на Harper’s Bazaar Carmel Snow. Erwin Blumenfeld, известен със своите живи Kodachrome изображения, също разширява границите на експерименталната модна фотография.
50-те години на 20-ти век поставят началото на динамична ера за модната фотография, като фотографите възприемат спонтанен, фотожурналистичен стил. Моделите са заснети по градските улици, заменяйки студийните фонове с градски пейзажи. Иконичната фотография на Richard Avedon от 1957 г. на модел в палто Cardin, озаглавена „В памет на Munkácsi“, илюстрира тази промяна. Martin Munkácsi, пионер в модната фотография на открито, съветва: „Никога не позирайте на обектите си. Оставете ги да се движат естествено.“
60-те години са свидетели на възхода на феминисткото движение и изместване към младежка, освободена мода. Документалният стил на David Bailey трансформира тийнейджърски модели като Jean Shrimpton и Twiggy в международни звезди. От 1966 г. нататък доминират смели шарки и цветове, като Penelope Tree въплъщава хипи естетиката.
През 70-те години модната фотография изследва теми за женственост, сексуалност, религия и насилие. Helmut Newton заснема уверени жени в бляскави условия, докато Guy Bourdin и Gian Paolo Barbieri създават провокативни изображения, които подчертават характера на жената. Чернокожите и андрогинни модели придобиват известност, а фотографи като Deborah Turbeville и Sarah Moon предлагат различни женски перспективи за красотата и обективизацията.
80-те години бележат появата на стилни публикации, които оспорват лъскавата естетика на масовите списания. Портретите на Steve Johnson на пънкари и младежи от New Wave в списание i-D улавят суров и автентичен уличен стил. Този натуралистичен подход продължава през 90-те години с фотографи като Corinne Day, David Sims и Craig McDean, които празнуват индивидуалността и уникалната красота на истинските хора.
Днес модната фотография се характеризира с сложни фантазии и кинематографични продукции. Miles Aldridge описва процеса си като „вземане на нещо от реалния живот и реконструирането му по кинематографичен начин“. Tim Walker, вдъхновен от Cecil Beaton и приказките, създава причудливи и разкошни образи. Докато дамската мода исторически доминира, мъжката модна фотография набира популярност, отразявайки по-широк спектър от стил и представяне.
